12 films musicaux à regarder si vous avez aimé West Side Story

Même si vous êtes un cynique confirmé, rien ne vaut le pouvoir stimulant d'une comédie musicale. Il y a quelque chose dans l'évasion pure de regarder la vraie vie céder la place à une séquence de chansons et de danses parfaitement chorégraphiée qui ne manque jamais de remonter le moral - et c'est peut-être pourquoi les films musicaux récents, des succès critiques comme La La Land aux géants du box-office conquérants comme le plus grand showman, Mamma Mia ! et sa suite, se sont avérés si populaires.



L'appétit des cinéphiles pour les films musicaux est si fort qu'Hollywood ne peut s'empêcher d'allumer des versions grand écran étoilées des succès de Broadway et du West End, à partir d'une adaptation en deux parties de Wicked avec Cynthia Erivo dans le rôle d'Elphaba et Ariana Grande dans le rôle de Glinda the Good Witch, à une nouvelle version de Matilda The Musical, mettant en vedette Emma Thompson dans le rôle de Miss Trunchbull, qui devrait arriver dans les cinémas vers la fin de cette année.

Pour les fans de films musicaux Disney, il y a aussi beaucoup de bonnes nouvelles, alors que le voyage du géant de l'animation à travers son catalogue arrière se poursuit à un rythme soutenu, avec des remakes en direct prévus pour des classiques comme Blanche-Neige, avec Rachel Zegler et Gal Gadot, La Petite Sirène, avec la chanteuse Halle Bailey dans le rôle principal et des chansons supplémentaires co-écrites par Alan Menken et Lin-Manuel Miranda de Hamilton, et Hercules, réalisé par Guy Ritchie.





Si vous venez de voir West Side Story et que vous avez envie de votre prochaine dose de comédies musicales, pourquoi ne pas vous rafraîchir la mémoire avec un guide de certains des plus grands succès du genre, des classiques de l'âge d'or et des films musicaux campy des années 80 aux comédies musicales juke-box et aux favoris animés. ?

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Chantons sous la pluie (1952)

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Chanter sous la pluieMGM

Les averses n'ont jamais semblé plus attrayantes que dans Singin' in the Rain, l'apogée de l'âge d'or des comédies musicales d'Hollywood, qui déborde de joie et d'énergie d'une manière qui n'a pas été égalée depuis. Bien que filmé au début des années 50, il rappelle une période antérieure de l'histoire d'Hollywood, lorsque les «images parlantes» commençaient à gagner du terrain auprès des cinéphiles, au grand dam des stars du cinéma muet, comme le personnage de Gene Kelly, Don Lockwood (alias le l'un se balançant autour du lampadaire dans l'une des séquences de danse les plus célèbres du film).



Âgée de seulement 19 ans à l'époque, Debbie Reynolds tient bon face à ses co-stars plus expérimentées avec sa performance pétillante en tant que Kathy, la choriste dont la voix chantante signifie qu'elle est mieux adaptée à l'ère du `` talkie '' que la co-star de Don Lina Lamont ( Jean Hagen). Les numéros de chanson et de danse peuvent sembler sans effort à l'écran, mais c'était loin d'être le cas : après avoir filmé Good Morning de 8h à 23h, Reynolds s'est retrouvé avec des pieds saignants (Singin' in the Rain et l'accouchement étaient les deux choses les plus difficiles que j'aie jamais eues faire dans ma vie, dira-t-elle plus tard).

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Mary Poppins (1964)

En regardant ce classique de Disney près de six décennies plus tard, il est difficile de croire que Mary Poppins a marqué les débuts au cinéma de Julie Andrews – à partir du moment où elle atterrit sur Cherry Tree Lane, après avoir flotté dans les airs via un parapluie, en maintenant une posture de baguette tout au long, elle est sans effort sûr de lui en tant que nounou magique. Et puis il y a la voix chantante, si douce et claire sur A Spoonful of Sugar, puis obsédante alors qu'elle raconte l'histoire de la vieille femme devant la cathédrale Saint-Paul sur Feed The Birds. Pas étonnant que le rôle lui ait valu un Oscar en 1965. Ajoutez un ver d'oreille enjoué d'une chanson sur les droits des femmes (Sister Suffragette, qui a sûrement fourni à de nombreux jeunes téléspectateurs leur première rencontre avec le mouvement pour le suffrage des femmes au fil des ans), un film d'animation fantastique séquence, des ramoneurs dansants et vous avez l'une des comédies musicales les plus enchanteresses de tous les temps (bien que moins on parle de la version déformée de Dick Van Dyke sur un accent Cockney, mieux c'est).

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La La Terre (2017)

À partir du moment où un embouteillage de Los Angeles cède la place à la joyeuse séquence de chants et de danses du numéro d'ouverture Another Day of Sun sur une autoroute engorgée, il est impossible de ne pas être emporté par la lettre d'amour du réalisateur Damien Chazelle à l'âge d'or des comédies musicales hollywoodiennes. . Les co-stars fréquentes Emma Stone et Ryan Gosling prouvent qu'ils ont l'une des meilleures chimies du secteur en tant qu'actrice en herbe Mia et musicien de jazz Sebastian, tous deux à la recherche du succès et de l'épanouissement créatif, idéalement à la fois.

C'est un véritable régal pour les geeks musicaux, bourré de références à certains des moments les plus emblématiques du genre (la glorieuse séquence 'et si ?' vers la fin du film est un clin d'œil au ballet de rêve d'An American In Paris, par exemple, tandis que le des routines de danse en clin d'œil à Fred Astaire et Ginger Rogers) et des chansons comme City of Stars et Audition (The Fools Who Dream), écrites par le duo The Greatest Showman Pasek et Paul, restent dans l'esprit longtemps après le générique. Pas étonnant qu'il ait été un tel succès aux Oscars lors de sa sortie, même s'il est devenu plus notoire pour le prix qu'il n'a pas gagner (Meilleur film, après une annonce ratée qui a nommé La La Land avant que le bon gagnant, Moonlight, ne soit annoncé).

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Oh maman ! (2008)

Meryl Streep dans Mamma Mia

Universal Studios

Une île grecque, trois pères potentiels et une tonne de succès d'Abba en or massif, plus un casting étoilé à couper le souffle (allant de Meryl Streep à Colin Firth en passant par Pierce Brosnan dans ce qui reste sûrement le plus gros casting post-Bond), dont beaucoup n'allaient pas laisser un manque de talent musical et/ou de coordination de la danse nous empêcher de passer un bon moment : malgré les critiques initiales (un journal comparait le chant de Brosnan aux sons d'un buffle d'eau) Mamma Mia ! allait toujours être un succès au box-office. En effet, il s'est avéré un tel succès qu'il a battu le record du film le plus rentable réalisé par une femme (Phyllida Lloyd) et s'y est accroché pendant près d'une décennie, jusqu'à ce que Wonder Woman de Patty Jenkins fasse irruption sur la scène.

En tant que Donna, l'hôtelière en difficulté dont la fille Sophie a sournoisement invité trois de ses anciens amours (joués par Brosnan, Firth et Stellan Skarsgård) à son mariage, Streep, toujours polyvalent, vole la scène. Si vous parvenez à traverser son interprétation pré-mariage de Slipping Through My Fingers sans verser une larme, vous avez probablement un cœur de pierre.

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Moulin Rouge! (2001)

Comme une grande partie du travail du réalisateur australien, le spectaculaire spectaculaire OTT sans vergogne de Baz Luhrmann est probablement un goût acquis, mais il serait difficile de nier que Moulin Rouge! (rarement un titre de film aura autant mérité ce point d'exclamation) est l'un des films musicaux les plus éblouissants et originaux de ces dernières décennies.

L'histoire d'amour tragique de la belle showgirl Satine (Nicole Kidman) et du poète idéaliste et sans le sou Christian (Ewan McGregor) est accompagnée d'un éventail glorieux de certains des plus grands morceaux du XXe siècle (parfois, comme dans le cas d'Elephant Love Medley, mélangés dans le même numéro musical connu) chausse-pied dans tout, des Beatles et Elton John à Madonna et David Bowie (plus un camée de Kylie Minogue, cimentant son statut de classique du camp). Sa seule composition originale Come What May, écrite à l'origine pour la bande originale de Roméo + Juliette de Luhrmann, parvient toujours à se démarquer parmi toutes ces chansons d'amour classiques.

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Filles de rêve (2006)

Après une poignée de tentatives infructueuses pour amener Dreamgirls à l'écran dans les années 80 (une version potentielle du film était destinée à être un véhicule vedette pour Whitney Houston, mais a rencontré quelques difficultés lorsque Houston a révélé qu'elle voulait chanter des chansons destinées aux deux personnages principaux), ce conte inspiré de Supremes est finalement devenu un film deux décennies plus tard. Cela valait la peine d'attendre. Fraîchement sortie de son passage sur American Idol, Jennifer Hudson réalise une performance véritablement époustouflante dans le rôle d'Effie White, la chanteuse principale du groupe de filles The Dreamettes qui est finalement écartée des projecteurs au profit de la choriste plus commercialisable Deena (jouée ici de Beyoncé). Son interprétation du numéro hors concours de l'émission And I Am Telling You I'm Not Going, passant d'une voix presque chuchotée à son refrain provocant, est sûrement parmi les meilleurs moments musicaux de tous les temps, tandis que Bey obtient sa propre vitrine de superstar avec la permission de Listen, l'un des quatre morceaux supplémentaires écrits pour le film avec Henry Krieger, le compositeur original de Dreamgirls.

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Maman Mia ! C'est reparti (2018)

Il aurait été impoli de ne pas faire une autre Mamma Mia ! film quand un titre aussi bon que celui-ci attendait dans les coulisses (il y a aussi le petit problème des 611 millions de dollars de recettes au box-office du film original, qui ont probablement joué un rôle non négligeable dans la réalisation d'un deuxième). À la fois une suite et une préquelle (les producteurs disent qu'il s'inspire de The Godfather Part II), il danse entre le passé - explorant les exploits de Donna (jouée en flashback par Lily James) lors de son voyage post-universitaire à travers l'Europe - et le présente, alors que sa fille Sophie tente de relancer l'hôtel familial.

Les enjeux émotionnels sont plus élevés cette fois (pas de spoilers, mais si les 10 dernières minutes ne vous font pas verser une larme, alors votre cœur est probablement fait de charbon), avec le bonus supplémentaire de Cher apparaissant par hélicoptère pour effectuer une version disco de Fernando. Cela ressemble à un rêve de fièvre, de la meilleure façon possible. Et si vous pensiez qu'ils avaient utilisé toutes les meilleures chansons du premier film ? Nous vous proposons des joyaux sous-estimés du catalogue arrière d'Abba comme Andante Andante, Angel Eyes et One of Us.

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Chicago (2002)

Les comédies musicales de films tout en chantant et en dansant étaient tombées en disgrâce à Hollywood au tournant du millénaire – jusqu'à ce que cette adaptation d'un classique de Broadway du réalisateur Rob Marshall se fraie un chemin vers six Oscars, dont celui du meilleur film, au Oscars 2003. Renée Zellweger est magnétique dans le rôle de Roxie Hart, l'ingénue aux yeux étoilés qui se retrouve dans Murderesses 'Row à la prison du comté de Cook après avoir abattu son amant, tandis que l'éventuelle gagnante de la meilleure actrice dans un second rôle Catherine Zeta Jones est tout aussi convaincante que sa codétenue Velma Kelly, une vedette de vaudeville au centre d'une cause célèbre.

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Le duo avait également un soutien de premier plan sous la forme de Richard Gere (en tant qu'avocat glissant et showboating), Queen Latifah (en tant que matrone corrompue de la prison) et John C. Reilly (en tant que mari crédule et au bon cœur de Roxie ). Avec sa chorégraphie inspirée de Bob Fosse, la séquence Cell Block Tango, lorsque les compagnons de cellule de Roxie dévoilent les crimes pour lesquels ils ont été envoyés, est un véritable spectacle.

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Le Roi Lion (1994)

Walt Disney Studios

Oui, le remake d'action en direct de 2019 avait Beyoncé et Donald Glover sur la liste des acteurs et des images de synthèse impressionnantes, mais l'original animé règne toujours en maître sur le catalogue arrière de Disney. C'est en grande partie grâce à la bande-son atmosphérique de Hans Zimmer (levez la main si vous êtes encore déclenché par les notes d'ouverture de To Die For, sa composition qui accompagne ce moment déchirant au milieu du film) et les chansons originales d'Elton John et Tim Rice, de la fanfare d'ouverture de Circle of Life à la fanfaronnade comique de Hakuna Matata en passant par l'émotion profonde de Can You Feel The Love Tonight (tous les trois de ces morceaux ont été nominés pour la meilleure chanson originale aux Oscars). Pas étonnant qu'il soit depuis devenu un pilier de Broadway et du West End. Sur le plan de l'histoire, c'est essentiellement Hamlet avec des lions, avec toute la trahison familiale et les coups de poignard dans le dos que cela implique (la plupart d'entre eux sont une gracieuseté de Scar, imbattablement méchant de Jeremy Irons).

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Hamilton

Il est rare qu'une version enregistrée d'une performance scénique que A. réussisse à recréer la magie de voir un spectacle en chair et en os et B. soit aussi exaltante et absorbante qu'une comédie musicale dramatisée, mais le film 2020 de Hamilton de Lin-Manuel Miranda tire sur ces deux exploits sans effort, le travail créatif de la caméra lui donnant une véritable sensation cinématographique. À travers une fusion éblouissante de genres musicaux, faisant référence à tout, des showtunes classiques au hip-hop, Miranda raconte l'histoire d'Alexander Hamilton, l'un des pères fondateurs de l'Amérique, auparavant négligé dans les livres d'histoire. Cette performance a été filmée en 2016, avec Miranda dans le rôle-titre et Leslie Odom Jr dans le rôle du rival politique de Hamilton Aaron Burr, ainsi que Phillipa Soo dans le rôle de sa femme Eliza qui souffre depuis longtemps et Renee Elise Goldsberry dans le rôle de sa sœur Angelica. Si vous n'avez pas encore vu le spectacle dans le West End ou à Broadway, c'est un bon goût d'être dans la pièce où cela se passe.
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Le son de la musique (1965)

Capture d'écran YouTube

Dans un double coup dur musical qui n'a pas encore été dépassé, moins d'un an après la sortie de Mary Poppins, Andrews a joué le rôle d'une autre nounou chanteuse dans l'adaptation à l'écran de The Sound of Music, basée sur la comédie musicale de Rodgers et Hammerstein. Il raconte l'histoire de la religieuse novice Maria (Andrews), qui décide d'échanger la vie de couvent contre un travail d'enseignement aux enfants von Trapp, pour l'aider à déterminer si elle veut vraiment passer le reste de ses jours au couvent. 60 ans plus tard, ce n'est pas un spoiler de révéler qu'elle ne le fait pas, et son approche chaleureuse et libre d'esprit finit par la faire aimer des sept von Trapps et de leur père (Christopher Plummer).

La séquence d'ouverture montrant Maria tournant au sommet d'une colline, tournée sur place en Autriche, est parmi les plus emblématiques du cinéma – bien qu'Andrews ait depuis révélé que pendant le tournage, la force des pales de l'hélicoptère était utilisée pour capturer la séquence. était si forte qu'elle se faisait renverser à chaque fois, c'est pourquoi la caméra passe en gros plan quand elle commence à chanter.

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Petite boutique des horreurs (1986)

Avant que le duo d'auteurs-compositeurs Alan Menken et Howard Ashman ne passe à la bande originale de films emblématiques de Disney comme La Belle et la Bête, Aladdin et La Petite Sirène, le duo a écrit une comédie musicale basée sur le film culte des années 60, Little Shop of Horrors, sur une plante qui prospère. sur le sang humain. Après une course hors de Broadway au début des années 80, il a été traité sur grand écran par le réalisateur Frank Oz, avec un casting qui est essentiellement un who's who de la comédie des années 80, avec des apparitions de Rick Moranis, Steve Martin, John Candy et Bill Murray.

Moranis joue le fleuriste Seymour, qui finit par cultiver la plante assoiffée de sang Audrey II (du nom de son amour, interprétée avec un charme fou par Ellen Greene), dont l'appétit pour les humains devient rapidement incontrôlable. Le film pétille d'un humour chaotique qui, comme on s'y attendrait probablement d'un conte d'une énorme plante mangeuse d'hommes, devient assez sombre (si sombre que la fin originale du film a été jugée trop pour le public et a dû être refaite).

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